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La vie d´ Adéle gana la Palma de Oro del Festival de Cannes

May 26, 2013, 11:49 am
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La francesaLa vie d' Adele (Abdellatif Kechiche) una película que cuenta una relación de amor lésbica y que ha enamorado a la prensa y al jurado de la 66 edición del Festival de Cannes, se ha hecho con la Palma de Oro a la mejor película. 
Las actrices y el director de La vie d' Adele muy emocionados con su Palma de Oro
La vie d´ Adele (Blue is the warmest colour), basada en una novela gráfica de Julie Maroh, ya obtuvo el Premio FIPRESCI de la sección oficial y era una de las grandes favoritas para conseguir la deseada Palma de Oro, a pesar de que algunas lenguas decían que el Presidente del jurado de la Sección Oficial: Steven Spielberg, no premiaría una película con escenas sexuales tan explícitas. Habladurías aparte, al final el jurado de la actual edición ha reconocido la valentía de su director: el tunecino Kechiche y las interpretaciones de sus dos actrices: Léa Seydoux  y Adéle Exarchopoulos. 

La actriz Uma Thurman ha sido la encargada de entregar esta Palma de Oro en una ceremonia de clausura que ha tenido como maestra de ceremonias a la intérprete francesa Audrey Tautou, y en donde han entregado premios desde una octogenaria Kim Novak, quien ya estuvo en la Croisette para presentar una copia restaurada de Vértigo, hasta una "erotizada" Asia Argento además de nuestra actriz más picassiana, la inconfundible Rossy de Palma. 

El resto del palmarés de la 66 edición del Festival de Cine de Cannes ha sido el siguiente:

   Gran Premio del Jurado:  Inside Llewyn Davis, de Joel & Ethan Coen
   Premio del Jurado: Like Father, Like Son de Hirokazu Koreeda
   Mejor actriz: Bérenice Bejo por Le Passé (El pasado) de Asghar Farhadi
   Mejor actor: Bruce Dern, protagonista de Nebraska (Alexander Payne) 
   Mejor director: Amat Escalante, por Heli
   Mejor guion: A Touch of Sin de Jia Zhangke
   Cámara de Oro a la mejor ópera prima: Ilo Ilo (Iloilo), de Anthony Chen
   Mejor cortometraje: Safe, de Myon Byoung Gon 

*Menciones especiales para los cortometrajes: Whale Valley de Gudmundur Arnar y 37º4 S de Adriano Valerio.



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Crítica El Gran Gatsby: Una adaptación al estilo Luhrmann

May 28, 2013, 4:58 am
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Decía Jean Cocteau, que aquello que el público te critique cultívalo porque eso es lo que eres. Pues bien, a Baz Luhrmann parte del público (¿o quizás más la crítica?) siempre le ha reprochado su excesiva puesta en escena, su barroquismo, el querer potenciar la estética y la música frente a aspectos de la trama y el desarrollo de los personajes. Exceptuando quizás su película más redonda, Moulin Rouge, el resto de sus trabajos es de dudoso resultado, sobre todo aquel tostón híbrido de aventuras y melodrama romántico llamado Australia. En el caso que nos ocupa, la última adaptación de una obra cumbre de la literatura universal del siglo XX: El gran Gatsby (Francis Scott Fitzgerald; 1925), Luhrmann sale airoso pero no triunfal. Como ya hizo en Romeo+Julieta (1996) el australiano adapta otro libro de cabecera  bajo su forma de ver el cine: derroche visual, abundancia de colores, banda sonora plagada de exitazos musicales con fecha de caducidad, movimientos de cámara a tutiplén... Sin olvidar, su predilección por potenciar el romance épicoe imposible (así lo llama él) entre la pareja protagonista. 

Al contrario que hizo en Romeo+Julieta (cuya historia transcurría en la actualidad), en El Gran Gatsby, Luhrmann se ha encargado de reconstruir con precisión (vestuario, decorados...) su particular visión de los felices años 20 estadounidenses, aquellos en donde la bolsa se disparaba hacia la luna, el jazz empezaba a hacer estragos y las flappersbailaban y bebían sin descontrol. 

Lejos del clasicismo que imprimió Jack Clayton en su versión de este clásico (1974), el director australiano apuesta en el primer tramo por tirar la casa por la ventana, como si esto fuera un reflejo de la vida interior de sus personajes. Así, antes de que conozcamos al enigmático multimillonario del anillo, el espectador (a la par que el personaje de Tobey Maguire, el más literario y deudor de la prosa de Fitzgerald) ya ha visualizado bien qué tipo de vida llevaban muchos de los que con el crack del 29 pondrían fin a sus excesos.Fiestas sin control, mansiones que dejarían tiritando a la de Orson Welles en Ciudadano Kane, y mucha frivolidad y nadería de los ricos de alta cuna; como Daisy (Carey Mulligan), la mujer ideal para un hombre hecho a sí mismo como Jay Gatsby, por cuanto esta representa en la sociedad clasista de esa época.

Tobey Maguire con su habitual cara y Elizabeth Debicki
Una vez que ya estamos cansados de tanta fiesta anacrónica, de tanto hip hop remezclado, de escenas salidas de un videoclip, aparece por fin el verdadero dueño de la función, que no es otro que Jay Gatsby (Leonardo Dicaprio) y a partir de entonces, es cuando la película alza el vuelo y comienza a desplegar otro tipo de encantos, más centrados en los conflictos de sus personajes. Carey Mulligan (aun con un doblaje en español muy mejorable) interpreta bien aunque sin apasionamientos a una Daisy voluble y snob, y Dicaprio (¿cuántas veces dice compañero?) sabe ser enigmático al principio y cargar luego con el peso dramático de Gatsby. 

Casi de puntillas -ya en el clímax- el director retrata la fragilidad del sueño americano, la imposibilidad de Gatsby de retornar al pasado como si nada hubiese sucedido, su frustración por saber que aún con mucho dinero nunca será considerado como Tom Buchanan (Joel Edgerton), pese a que hoy en día sabemos que tener dinero (por desgracia) sigue siendo la mejor carta de presentación y que Jay Gatsby no tendría porqué ocultar y preocuparse por sus pobres orígenes.

En definitiva, una adaptación que capta el espíritu de esa época y que arriesga en el apartado visual pero que carece de la fuerza dramática de la historia que contaba Moulin Rouge.

Lo mejor: Dicaprio, la escena en donde Gatsby y Daisy se reencuentran tras cinco años, la voz en off del personaje de Tobey Maguire, Nick Carraway. Puesta en escena.

Lo peor: Que el romance no sea inolvidable, que en general la película se olvida pronto.

¿Y a ti qué te pareció?
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Adiós a la sirena de Hollywood: Esther Williams

June 6, 2013, 3:38 pm
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Coincidiendo con el fallecimiento de Esther Williams(1921-2013), nuestro insigne reportero del Hollywood clásico, Milton River, ha querido contarnos como conoció a este mito:

"Aún recuerdo cuando la conocí. Yo no era muy amigo de los ballets acuáticos ni de las películas pasadas por agua. Sin embargo, quizás por curiosidad acudí en 1944 al rodaje de Escuela de Sirenas, la película con la que esta nadadora profesional saltó a la fama y que le hizo ganarse su singular apodo (Sirena de América), que por cierto, se lo puso Clark Gable. Y desde ese momento, quedé hechizado por su encanto. Alguien dijo que "mojada era una estrella, seca ya no lo era tanto", pero realmente fue la más bella debajo del agua. Una ninfa que jamás olvidaré."

Después de este pequeño homenaje nada mejor que quedarnos con un vídeo de los mejores momentos de Esther Williams en el cine. Que lo disfrutéis. 



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Crítica Quince años y un día

June 13, 2013, 8:24 am
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Gracia Querejeta, hija del recientemente fallecido PRODUCTOR Elías Querejeta, y directora que ha sabido crear una filmografía propia con títulos como Cuando vuelvas a mi lado (1999), Héctor (2004) o Siete mesas de billar francés (2007), ha regresado al cine con Quince años y un día, película premiada en el pasado Festival de Málaga y dedicada a su padre. El resultado es un drama esperanzador un tanto descafeinado, pero con interpretaciones destacadas (en especial de Maribel Verdú y Tito Valverde, bien arropados por las secundarias Susi Sánchez y Belén López) en donde de nuevo, la cámara de esta autora se posa en los sinsabores de las relaciones familiares.

No hace mucho que vi en el Festival Ibérico de Cinema el cortometraje Fracaso escolar, dirigido también por Gracia Querejeta y protagonizado por Arón Piper y Adriana Ozores, en el papel de hijo y madre respectivamente. En este trabajo (rodado al mismo tiempo que Quince años y un día) ya se encuentran algunos de los temas que Querejeta ha incluido en su sexto film, como las relaciones de tira y afloja entre padres e hijos adolescentes, o el pasotismo que algunos jóvenes de esta "generación perdida" tienen ante los estudios. Además, como dato curioso el corto finalizaba también a ritmo de rap. Pues bien, ni el mencionado corto me entusiasmó (me pareció más bien el prólogo de una película) ni tampoco ha logrado emocionarme este  largometraje. Veamos porqué...

La película gira en torno a Jon (Arón Piper), un joven rebelde de 14 años a quien no le van las medias tintas en la vida. Jon parece estar de vuelta de todo pero tampoco podríamos considerarlo como excesivamente conflictivo (es un angelito si tenemos en cuenta a otros adolescentes de ficción o incluso de carne y hueso ). Un día el chico es expulsado del colegio una temporada y su madre (Maribel Verdú), viuda y actriz en paro e incapaz de lidiar con él, decide que solo su padre Max (Tito Valverde), un exmilitar estricto y separado que vive en la Costa de la Luz, puede enderezarlo.

El planteamiento es sencillo y parece que va a deparar en la típica relación de contrastes (empezando por el contraste geográfico) entre personajes muy diferentes, algo visto en el cine pero que si tiene fuerza sigue emocionando al espectador. Pero aquí esto no sucede en casi ningún momento (las chispas casi no saltan entre abuelo y nieto) y hacia el segundo acto la trama principal queda engullida por una  subtrama más parecida a un capítulo de El comisario, la serie de tv que protagonizó el mismo Tito Valverde. Da la sensación de que el guion, para mí la parte más débil del film, ha querido tocar muchos temas en poco tiempo (el fantasma del paro también está por ahí) y no se ha explotado lo suficientemente bien (salvo en un par de escenas más emotivas) el material sensible que tiene una historia como esta, una historia con la que a priori todo el público puede sentirse más identificado (unos por ser padres, otros por ser adolescentes confusos...) 


En definitiva, Quince años y un día es una película correcta, pero que no ha logrado removerme por dentro, algo fundamental en una película que toca el tema de las emociones. Probablemente, no se deba tanto al perfil de los personajes (algunos manifiestamente mejorables como el de la inspectora Aledo) como a ciertos aspectos del guion de Querejeta y Santos Mercero. Como ejemplo, los diálogos, algunos muy forzados y poco naturales.  En cualquier caso, se trata de un nuevo e intimista acercamiento de la directora a las relaciones y ausencias familiares, esas que nos marcan para bien y para mal.

Lo mejor: Maribel Verdú (monólogo del hospital y escena con la policía hablando sobre sus hijos). El regreso de Tito Valverde (atención a la escena entre Tito Valverde y Susi Sánchez sobre porqué el primero decidió romper el matrimonio). Banda sonora. Fotografía. Sfia Mohamed, la más natural de todos los jóvenes intérpretes.

Lo peor: La sensación que te queda de ser una película demasiado light pese a que toque temas importantes.




¿Cuál es tu opinión de la película? No olvides escribir tu comentario :D.

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¿Quieres asistir al preestreno de Los Becarios?

June 14, 2013, 4:47 am
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Atención a los amantes de la comedia, porque nuestros amigos de la web Sensacine nos invitan a un nuevo preestreno en los cines Kinépolis Madrid. En esta ocasión, disponemos de 10 entradas dobles!! para ver antes que nadie (27 de junio, 19:30 horas) Los Becarios (The internship), la película que une de nuevo a Owen Wilson y Vince Vaughn. 

El argumento gira en torno a Billy (Vince Vaughn) y Nick (Owen Wilson), dos vendedores cuarentones que se quedan en paro cuando la empresa en la que trabajaban cierra sus puertas de la noche a la mañana. Tratando de demostrar que no están fuera del mercado aceptan una beca de prácticas para trabajar en la todopoderosa Google. Allí sin mucha idea de Internet, programación... tendrán que competir con alumnos mucho más preparados e inteligentes que ellos, auténticos expertos tecnológicos. Solo unos pocos conseguirán el deseado puesto, ¿lo lograrán Billy y Nick? 

La comedia está dirigida por el director de Noche en el museo, Shawn Levy y ha sido escrita por el propio Vince Vaugh con la ayuda de Jared Stern (Los amos del barrio). Cuenta entre su reparto, además de la pareja protagonista, con la actriz Rose Byrne, John Goodman y Max Minghella (La red social).



Cómo concursar
Para concursar podéis hacerlo de varios modos, escogiendo el que más os guste. 
A continuación, tenéis que escribirnos un email contestando a la siguiente pregunta: ¿Qué película reunió por primera vez a la pareja cómica Owen Wilson y Vince Vaughn? Una pequeña pista, va de celebraciones.  

De entre todas las respuestas acertadas sortearemos las diez ganadoras. Tenéis hasta el domingo 23 de junio a las 12 am para concursar. Incluid en el correo vuestros datos personales (nombre y apellidos) y vuestro nick o nombre por el que estáis registrados en Twitter o Facebook (para comprobar que sois seguidores del blog). Los ganadores recibiréis un email de confirmación de asistencia el preestreno. 

*Rogamos confirmación de asistencia al preestreno, si no se avisará a otra persona que haya quedado en reserva.)

Mucha suerte!
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Trailer de lo nuevo de Scorsese: The wolf of Wall Street

June 17, 2013, 1:03 pm
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No hay dos sin tres, y en el caso de Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio podría decirse que este dicho se les queda corto. The wolf of Wall Street supone la quinta colaboración de ambos después de películas como Gangs of New York (2002), El aviador (2004), Infiltrados (2006) y Shutter Island (2010). 

La película que no se estrenará en España hasta diciembre de 2013, narra una historia real: el ascenso y caída de Jordan Belfort, uno de los más famosos brokers del Wall Street  repleto de yuppies sin escrúpulos que ya retrató Oliver Stone en 1987. En este caso, el personaje de DiCaprio es un joven y exitoso corredor de bolsa que derrocha toda la fortuna que gana y que no duda en estafar a quien pilla por delante, algo que le llevará a la cárcel. El reparto de este film lo completan otras caras conocidas como las de Jonah Hill, el francés Jean Dujardin y Matthew McConaughey, quien se perfila como el típico personaje secundario roba planos. 

Tendremos que esperar hasta diciembre para ver el resultado final, pero viendo el trailer, el reparto, y siendo Martin Scorsese uno de los mejores directores que aún siguen en activo, apetece y mucho. ¿Qué os parece a vosotros?



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Toy Story: vuestra película favorita de Pixar

June 20, 2013, 8:05 am
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1986 ese fue el año en que se fundó Pixar una nueva fábrica de dibujos animados, esta vez surgidos con la ayuda del ordenador. Desde entonces el famoso estudio de animación digital  nos ha enamorado con 14 películas (muchas de ellas galardonadas con el Oscar) y con sus maravillosos cortos. Así, con el estreno de Monstruos University os preguntábamos cual era vuestra película favorita de Pixar. Y a pesar de que nos habéis expresado lo difícil que era esta encuesta (por la calidad de todos los títulos, gusten más o menos) ya tenemos ganador. 

Quédate para descubrir vuestras historias favoritas creadas por Pixar. :D


Top Five Películas más votadas


1. Toy Story (1995)

La más votada por la audiencia (28% de votos) es la más longeva de la compañía.  Resulta que cuando nadie los ve nuestros juguetes tienen vida propia, y entre ellos hay una rivalidad que ríete tú de los celos entre Bette Davis y Joan Crawford. Porque antes de que se hiciesen amigos Woody (doblado en la versión original por Tom Hanks) y el astronauta Buzz Lightyear (Tim Allen) se llevaban a matar. El viejo oeste se veía suplantado por la ciencia ficción en una historia divertida y tierna a partes iguales que fue dirigida por John Lasseter, el alma mater de este estudio. Por cierto Joss Whedon, director de Los vengadores, colaboró en el guion. Toy Story fue Premio Especial de la Academia de Hollywood (ya que el Oscar a mejor película de animación aún no estaba instaurado).

2. Toy Story 3 (2010)

Después de una segunda parte algo más descafeinada, nuestros juguetes de ficción preferidos regresaron con más fuerza nunca. Dirigida por Lee Unkrich posiblemente esta entrega es la mejor de la trilogía por ese emocionante y tenso clímax y por contar con un villano inolvidable. Esta tercera parte no solo conquistó a la crítica (obtuvo el Oscar a mejor cinta de animación, entre otros) sino también al público, ya que se convirtió en la cinta más taquillera de la historia de Pixar. 

Ha sido la segunda película más votada con un 20% de los votos.



3. Up (2009)
Una de las películas más redondas de Pixar, dirigida por Pete Docter, quien también dirigió Monstruos S.A. Una historia original y de lo más emotiva que contenía un pequeño tesoro del cine. Me refiero como no al prólogo donde se cuenta como se conocieron Carl (el anciano protagonista con parecido a Spencer Tracy) y Ellie, su esposa ya fallecida. Diez minutos chaplinescos  acompañados por la estupenda banda sonora de Michael Giacchino (galardonada con el Oscar a mejor música) con los que era imposible no derramar alguna lagrimita. Después, la historia nos trasladaba a América del Sur para narrar un viaje iniciático del gruñón y entrañable Carl y de un niño explorador un poco pesadito. 

Ha sido la tercera película más votada con un 15% de los votos.

4. Wall-E (2008)
Antes de que se estrellara con su primera película de acción real, (John Carter), Andrew Stanton ya había hecho méritos en la compañía. Por ejemplo ayudó a Lasseter en la dirección y guion de Bichos (1998) y más tarde dirigió con ayuda de Lee Unkrich la refrescante Buscando a Nemo (2003), la cual tendrá una secuela en 2015, también dirigida por Stanton. Ya en 2008 voló solo y dirigió una de las películas más arriesgadas de la filmografía pixariana. Hablamos como no de Wall-E, una joyita de la ciencia ficción que prescindía en buena parte del metraje de los diálogos y que nos regaló una bonita historia de amor entre dos robots, la sofisticada Eva y Wall-E, un robot recoge basura con cierto parecido al mítico Cortocircuito. 

Cuarta película más votada con un 13% de los votos.
5. Monstruos S.A (2001)
Y la quinta película más votada con un 7% de los votos ha sido Monstruos S.A.  La película donde conocimos a una extraña pareja, la compuesta por el peludo Sulley y por Mike. Una película con un potente mensaje sobre la amistad que surgió un año después de la gamberra Shrek (de Dreamworks), y que curiosamente no se llevó el Oscar a mejor película de animación. Este viernes llegará a nuestros cines su precuela, Monstruos University (ver trailer) en donde compartiremos universidad con  Mike y Sulley y conoceremos cómo aprendieron los trucos para asustar a los niños.


Y estas han sido las películas más votadas. Hasta el infinito y más allá os doy las gracias a quienes os hayáis pasado por el blog para dejar vuestra opinión.

Nos vemos en el cine!

*Se han registrado  votos. Las catorce películas que podían escogerse eran Toy Story, Bichos, Toy Story 2, Monstruos S.A, Buscando a Nemo, Los increíbles, Cars, Ratatouille, Wall-E, Up, Toy Story 3, Cars 2 y Brave. Las películas que no han recibido ningún voto han sido Brave, Los increíbles y Cars.
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Ganadores del concurso Preestreno "Los becarios"

June 24, 2013, 2:00 am
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Si habéis estado atentos al blog, habréis visto que gracias a Sensacine sorteábamos diez entradas dobles para asistir el próximo jueves 27 a las 19:30 horas en los cines Kinépolis de Madrid al preestreno de la comedia Los becarios (The internship). 

Para ganar una entrada tan solo teníais que concursar y responder a esta sencilla pregunta: ¿Qué película reunió por primera vez a la pareja cómica Owen Wilson y Vince Vaughn? Y la respuesta era De boda en boda, aunque como nos ha dejado caer algún avezado participante ya coincidieron en Zoolander, pero nos referíamos a la primera película en donde se presentaban como pareja cómica.

Ahora sí, estas han sido las personas que han resultado ganadoras de una entrada doble. Felicidades a los premiados! Y a los demás estad atentos porque habrá más concursos!


Antonio Fernández
Carolina Somolino
Juan Manuel López Polo
Carlota Carbó
Angeles Palmero
Berta Alberca
David Alonso
Román Pérez
Isabel María Gracia
María Inmaculada García


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El hombre de acero: una nueva y mesiánica visión de Superman

June 24, 2013, 6:00 am
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En el momento en que sabes que a este nuevo Superman no le han querido poner los calzoncillos por encima de su traje ajustado, o que ni siquiera le llaman Superman, te das cuenta que estamos ante una nueva revisión del mito, del héroe que en 1938 crearon Jerry Siegel y el dibujante Joe Schuster. Una viñeta que muy pronto alcanzó una gran popularidad entre la población estadounidense y que  tras sus apariciones televisivas no alcanzó a tener una traslación al cine digna hasta 1978, año en que vio la luz el Supermande Richard Donner, ese que abrió la veda para el cine de superhéroes y que se lanzó con la mítica frase publicitaria: "Usted creerá que puede volar". 

Ahora 35 años después, y tras un intento previo que resultó un fracaso, Superman returns, el héroe de Kripton regresa en una película que ya está generando opiniones enfrentadas. La criatura parida por Zack Snyder con producción de Christopher Nolan no es perfecta (tampoco se le presuponía) pero peca de grandilocuente. Excesiva, mística, aparatosa, espectacular, irregular pero también acertada en ofrecer una nueva visión (menos ingenua) de un personaje que necesitaba actualizarse.  

El hombre de acero es hija de su tiempo. Por eso al verla no hay que obsesionarse con acercamientos anteriores, en donde la nostalgia a veces nos juega malas pasadas. Ahora mismo y no descubro nada nuevo, en el cine de superhéroes coexisten dos corrientes; una que explota la parte lúdica de este subgénero (y de la que Los vengadores es su mejor exponente) y otra, auspiciada por Nolan y más realista, en donde los héroes se muestran más reflexivos, son personas que también sufren como el resto de mortales, y tienen traumas para dar y aburrir. El hombre de acero naturalmente se mueve en esta segunda liga, algo que a mí no me disgusta. El problema existe cuando la mezcla de la tragedia del superhéroe (la aceptación del deber del protagonista) y de la parte más blockbusteriana no casan del todo bien. Cuando la angustia y la acción no están bien ligadas, o cuando las muchas explosiones, destrucciones, peleas... echan por tierra los buenos propósitos anteriores.    


Lo peor que le puede pasar a una película como esta es que se quede a medias, y que deje en el espectador una sensación contradictoria. Su exagerado metraje (aunque recordemos que el primer Superman también pasaba de las 2 horas) recuerda a la última entrega de la trilogía de Batman de C. Nolan. En este sentido, MOS (Man of Steel) también peca de lo mismo, del querer quemar todos los cartuchos posibles en el último tramo (el de la invasión a la Tierra de los últimos habitantes de Kripton). La parte final pone a prueba la paciencia del espectador con un clímax que nunca llega y una acción repetitiva y muy dilatada.

A favor en cambio tiene toda la parte más dramática, narrada de una forma muy arriesgada (con continuos saltos de tiempo) en donde conocemos las vicisitudes que pasó Clark Kent en su infancia y juventud (la sensación de ser un bicho raro, de no poder hacer uso de sus poderes) y como los valores de sus padres adoptivos (bien Diane Lane pero estupendo Kevin Costner) marcaron la personalidad de este marciano que vivió en Kansas hasta que no pudo reprimir más su naturaleza. Como en Batman Begins, Clark vaga por el mundo sin una identidad propia, hasta que los acontecimientos ligados a su pasado (el regreso del general Zod) le hagan dar el paso de convertirse en nuestro salvador. En un nuevo Mesías, porque las conexiones con la cultura religiosa cristiana están ahí, y no son nada sutiles (Clark tiene 33 años, escena en la Iglesia con cuadro de La última cena de fondo, su relación con su padre biológico Jor-El...). 

Esa trascendencia que imprime tanto el director de 300 como el guionista David S. Goyer (sin olvidar a Nolan quien también ha tenido que ver en la historia) a veces se siente como forzada, (igual que la estética de fotografía documental, los planos mareantes pero de una belleza arrebatadora) pero en otras escenas alcanza lo que se propone. Que sintamos que necesitamos un nuevo Superman o Hombre de Acero. 
Vengo del rodaje de Prometheus II


Otra baza positiva es que logra la complicidad del espectador en varios momentos. Esto consigue restar solemnidad al conjunto y arrancar una sonrisa, que no una carcajada. Podemos verlo en la secuencia donde el hipermusculado Henry Cavill (algo falto de carisma pero correcto en su interpretación) aprende a volar, o en la relación (nada edulcorada) con  una Lois Lane (Amy Adams) que habrá ganado en inteligencia y perspicacia pero que ha perdido en encanto respecto a Margot Kidder. En cuanto al villano (Michael Shannon) y la villana (no pierdan de ojo a Antje Traue) no destacan por su gama de matices, pero están interpretados con fuerza y son dignos oponentes del Hombre de Acero.

En definitiva, una película que reinventa el mito de Superman pero que no lo desdeña del todo, y que ofrece buenos momentos (sobre todo los dramáticos y los relacionados con la elección del héroe) pero también demasiado ruido. 

Lo mejor: El arranque con ese Krypton como nunca lo habíamos visto (aunque con parecidos  a Prometheus en diseño) y con un Russel Crowe de lo más convincente. La disyuntiva made in Nolan entre la que se mueve el protagonista (dos padres que marcan Jor-El en Krypton y Jonathan Kent en la tierra, dos mundos opuestos). El personaje de Kevin Costner, uno de los pocos que logra emocionarnos. SPOILER EN BLANCO, SUBRAYA POR ENCIMA SI QUIERES LEERLO:  por cierto vaya muerte ridícula, en la de Superman, la muerte de Glenn Ford era más verosímil. El tema principal de la banda sonora de Hans Zimmer. El final con ese guiño al Daily Planet.

Lo peor: Falta de ritmo. La sensación que te queda al final del film (ni es una mala película ni es todo lo mejor que cabría esperar de sus creadores). 




El Hombre de Acero

¿Y tú eres lover o hater de este nuevo acercamiento al mítico superhéroe? Dejanos tu comentario.
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Diez años sin Katharine Hepburn: Diez frases para recordarla

June 29, 2013, 3:04 am
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Hoy 29 de junio se cumplen diez años sin una de las más grandes actrices del cine: Katharine Hepburn. La chica liberal y moderna que nació y murió en el estado de Connecticut consiguió el reconocimiento de su profesión (incluidos cuatro Oscars y el ser escogida por el American Film Institute como una de las mejores actrices de la historia del cine) a pesar de que ella siempre se mantuvo de lo más díscola con todo lo relacionado con Hollywood, donde nunca vivió. 

Algunos la tacharon de arrogante, "Katharine de la arrogancia" y más de un director tuvo que soportar sus aires de grandeza, pero nadie pudo obviar su gran talento interpretativoy que toda ella era carácter. La Hepburn más andrógina podía pasar de la comedia más loca al drama, aunque en ocasiones los papeles más "serios" le jugasen una mala pasada y se la considerase veneno para la taquilla. Pero de su acomodada y activista familia, su madre fue sufragista, aprendió que una mujer debía ser independiente, y luchar por aquello que quiere sin doblegarse ante nada ni nadie. Y así consiguió remontar el vuelo y dejarnos grandes interpretaciones, muchas de ellas al lado del que fue su gran amor Spencer Tracy, una relación de casi 30 años que no empezó con muy buen pie pero que acabó siendo hasta el fin del actor. 

Katharine Hepburn fue una mujer adelantada a su tiempo en muchos aspectos, y por eso hoy queremos recordar su figura con algunas de sus mejores frases. Diez sentencias, la mayoría dichas por ella, que dejan claro que tras la Jo de Mujercitas, la ambigua Sylvia Scarlett, Tracy Lord, Susan Vance o Rose Sayer se escondía una mujer única.

Diez frases para recordar a Katharine Hepburn

"Actuar es el menor de los talentos. No olvides nunca que no te darán un Nobel por ello y que Shirley Temple lo hacía perfectamente con cuatro años" 
Doble sacrificio (1932), su primera película
"Tienes que mirarla, tienes que escucharla, no hay forma de escapar de ella, pero no es solo por su belleza si no por su estilo" Cary Grant

¿Chico o chica? La gran aventura de Sylvia (Cukor, 1935)
"No quiero ser adorada. Quiero ser amada" Tracy Samantha Lord, Historias de Filadelfia 


"No creo en el matrimonio. Amar, honrar y obedecer es muy poco práctico. Si lo fuera, no tendrías que firmar un contrato" 
La impetuosa, la última colaboración de Tracy y Hepburn con Cukor

"El amor no tiene nada que ver con lo que esperas conseguir, solo con lo que esperas dar, que es todo" 


"Ignoraba totalmente que fuéramos el sexo débil"
En la piel de una piloto, en "Hacia las alturas"

"Me arrepiento de muchas cosas y estoy segura que todo el mundo lo hace. Si tienes sentido común, te arrepientes de las cosas estúpidas que has hecho y si no lo haces, quizás sea porque eres estúpido"


La Hepburn en "Estirpe de dragón", una china más que improbable

"Si te dan a escoger entre dinero y atractivo, coge el dinero. Cuando envejezcas, el dinero será tu atractivo"

Una de sus películas más divertidas, un clásico. "La fiera de mi niña"

"Actuar es simplemente esperar la tarta de crema. Eso es todo"
En el estanque dorado, una de sus últimas películas

"A veces me pregunto si hombres y mujeres realmente encajan. Quizás deberían vivir puerta con puerta y visitarse de vez en cuando"



¿Cuéntanos, cual es tu papel favorito de Katharine Hepburn?

Si te ha gustado este especial ayúdanos a compartirlo en las redes sociales :D.
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Tú opinas: Los becarios (The internship)

July 3, 2013, 3:03 am
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De la mano del director Shawn Levy (Noche en el museo, Acero puro) el rubiales Owen Wilson y Vince Vaughn han regresado al terreno donde se sienten más cómodos, la comedia. En esta ocasión, hemos querido conocer la opinión de tres espectadores sobre Los becarios, una película que trata con humor la brecha generacional.

En Cine en conserva nos preguntamos ¿es una comedia para pasar un buen rato o es poco más que un anuncio patrocinado de Google?Vamos a intentar descubrirlo a través de los comentarios de Ana, Antonio y Berta, tres aficionados al cine, que consiguieron una entrada doble gracias al concurso preestreno organizado conjuntamente con la web Sensacine.

Ana San Andrés Serrano

Owen Wilson y Vince Vaughn cumplen lo que prometen. Nos encontramos con una película sin grandes sorpresas argumentales, ¿qué esperar de unos cuarentones en paro que no han visto un ordenador en su vida y consiguen acabar de becarios en Google?, pero que por otro lado tiene grandes dosis de humor y gags que te hacen reír durante la mayor parte de la película.

Antonio Fernández

Iba al cine pensando en que vería una película presumiblemente tonta y sin mucho sentido. Pero por el contrario fue una agradable sorpresa. La película entretiene y aunque es la típica propuesta que no se arriesga a innovar, te lo pasas bien. Se ha buscado un equilibrio entre los personajes y la historia, y como película veraniega no está mal. Eso sí, la publicidad del gigante Google es constante e inmensa, y te deja boquiabierto pues no parece que exista en nuestro país un modelo de empresa con estas características.


Berta Alberca

Ves el cartel de la película: Owen Wilson y Vince Vaughn juntos de nuevo, con cara de empanados y mirando al horizonte. Y adivinas de repente que ahí pone Google. Lo primero que piensas es que va a ser una "tontuná", ya con esos protagonistas no puede ir muy en serio la cosa. Y claro, te sorprende. Para empezar, porque retrata la situación que estamos viviendo actualmente, pero de un modo que consigue hacerte reír y cargarte de optimismo. Si es cierto  que es un poco conservadora en la trama, pero la sensación que te deja va muy ligada a todas estas ideas de "nada es imposible si luchas por conseguirlo". En mi opinión, destaca de entre otras muchas comedias. Si quieres pasar un buen rato, acércate al cine a verla. Seguro que sales del cine mucho más animado.

Muchas gracias a nuestros colaboradores por facilitarnos su opinión. Estamos abiertos a la vuestra.

Nos vemos en el próximo Tú opinas, quién sabe igual te toca a ti hacer de crítico por un día :D-

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Helena Bonham Carter se mete en la piel de Liz Taylor

July 8, 2013, 8:19 am
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Sí amigos, ya sabéis que en este blog somos fans de las grandes divas y mitos del cine. Por eso, al ver a Helena Bonham Carter transformada en la actriz de la mítica y ruinosa Cleopatra (Joseph. L. Mankiewicz, 1963), la sorpresa ha sido mayúscula. Al desconcierto inicial, ¿la musa burtoniana en la piel de Liz Taylor?, se ha sumado un voto de confianza al ver el trailer de este biopic televisivo llamado Burton and Taylor.

Esta producción de la BBC se estrenará en 2014 y está dirigida por Richard Laxton. Se centra en una etapa de la vida profesional y personal de una pareja de cine en todos los sentidos; la formada por Elizabeth Taylor y Richard Burton, este último interpretado en esta ocasión por Dominic West.Sin duda, lo suyo fue una relación tormentosa y apasionada surgida entre los fastuosos escenarios de la  superproducción de Mankiewicz y que nos ha dejado películas de todo tipo, desde la estupenda Quién teme a Virginia Wolf  hasta la kitsch y olvidable Doctor Fausto. 

Ya se sabe que las comparaciones son odiosas, pero si Lindsay Lohan también ha interpretado a Liz Taylor en el telefilm Liz & Dick, cómo no vamos a confiar en que Helena dé el pego. ¿O no?
Lilo, ¿me prestas luego esa peluca?

Os dejamos el trailer de Burton and Taylor para que juzguéis vosotros mismos si estamos ante un parecido razonable. Aunque al fin y al cabo, lo importante sea luego la interpretación.



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Crítica Expediente Warren: The conjuring; Tensión de mil demonios

July 20, 2013, 2:55 pm
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No hay nada mejor que ir al cine con la información justa sobre una película y salir con un buen sabor de boca. Y si además del buen regustillo, te llevas de regalo un miedo que te hace entrar en casa sospechando de cualquier ruido, reflejo en el espejo... pues digamos que la opción cada vez menos frecuente de ir al cine (cosa que nos apena y mucho) ha sido un rotundo éxito. Contra todo pronóstico, porque el trailer parecía más de lo mismo, Expediente Warren; The conjuring se ha convertido en una de las sorpresas de este verano y sin duda, una de las mejores películas de terror de los últimos años.

James Wan, el director de esta película, tuvo un debut en EE. UU. por la puerta grande con Saw, película que sorprendió a todos por su crudeza, pero también por incluir una trama inteligente y macabra que no dejaba de jugar con el espectador hasta el último momento. Después, este realizador de origen malayo viró hacia fórmulas del terror menos sangrientas y más paranormales, volviendo a dar la campanada con Insidious, de la que pronto tendremos segunda parte. Ahora regresa a las carteleras con esta historia basada en hechos reales, aquí llamada Expediente Warren por centrarse en uno de los casos más espeluznantes abordados por la pareja de parapsicólogos Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga); el caso Perron, ocurrido a un matrimonio con cinco niñas en una casa en Rhode Island.
Los verdaderos Warren (él demonólogo, ella medium) (Foto Sensacine)

Ambientada en los años 70 de una forma realista (se incluyen hasta canciones de la época) uno de los grandes aciertos de esta película es que, sin aportar nada nuevo al género de las casa encantadas y las posesiones demoníacas, el relato es de lo más eficaz y aterrador. The conjuring es entretenida, funciona como un reloj y opta por un estilo narrativo más clásico y que recuerda por momentos a películas clave del género (El exorcista, Terror en Amityville y hasta Los pájaros). Al contrario que Insidious, Wan huye de las exageraciones a nivel de efectos visuales y sonoros, y dosifica muy bien los sustos,  logrando engañar en más de una vez al espectador que ya está acostumbrado a anticiparse al mal rato por la subida de decibelios. 

Lo bueno y atípico del guion, y digo atípico porque no estamos acostumbrados, es que se toma su tiempo en contar la historia. En primer lugar, somos testigos del peculiar trabajo de Los Warren y su intento porque la sociedad los tome en serio, intercalándose esta acción con la que será la principal, la que se desarrolla en la casa y que está plagada tanto de situaciones familiares para aficionados a este subgénero (portazos, susurros, risas diabólicas, sótanos siniestros...) como del peculiar universo visual de Wan, quien siempre pone mucha atención en los detalles (inclusión de juguetes por ejemplo), y que aquí no escatima en planos secuencias, planos generales, subjetivos... y otros recursos técnicos empleados con elegancia.
Pero mujer, ¡enciende la luz que te vas a matar!


Todo este realismo no sería posible sin otra de sus bazas fuertes: el reparto así como  la buena descripción de los personajes (sobre todo de los femeninos, siendo los masculinos menos potentes y más secundarios, es el caso del padre, al que da vida Ron Livingston). Destacan Vera Farmiga y Lili Taylor con dos buenas interpretaciones, dos papeles a los que les une el sentimiento de proteger a los suyos a toda costa. A lo largo del film se establece una conexión entre la medium, una persona espiritual, volcada en su trabajo y su familia, y la madre (Taylor), la persona que toma la decisión de buscar ayuda en esta pareja de expertos. También cumplen y de sobra las niñas, y al contrario que en otras producciones de este estilo, no resultan repelentes ni quieres que mueran en el primer acto. Es más, varias de ellas se convierten en las protagonistas de algunos de los sustos más recordados. 

En definitiva, una recomendable película de terror, bien contada, sin excesos y cuya tensión es es masticable. Tan conseguida que hará que te deslices por la butaca en más de un momento y maldigas las casas encantadas, las posesiones y a las malditas muñecas de porcelana. 

Lo mejor: La atmósfera de horror, la tensión que se palpa, el reparto. La ambientación de la época, dirección, banda sonora de Joseph Bishara.

Lo peor: Nada en especial, ¿no es increíble?. Aunque mucho mejor cuando no se muestran los espíritus, aunque en esta ocasión no se abuse de esto.
Por cierto, ya que hablamos de casas encantadas  recomiendo fervientemente Suspense de Jack Clayton, un clásico y la película que sentó las bases para este subgénero.

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El amor según Truffaut: Las dos inglesas y el amor

July 23, 2013, 4:34 am
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A los que aman, como decía aquella película de Isabel Coixet. A ellos está dedicado este número de la revista  Versión Original. A través de sus páginas podréis conocer a amantes de todo tipo; carnales, románticos, anónimos...y de todas las latitudes como esos amantes entregados ciegamente al deseo que tan bien plasmó Nagisa Ôshima en El imperio de los sentidos (Ai-no corrida, 1976).

Esta vez, la que os escribe ha optado por cine francés, y por un director que amó al cine más que a nada en el mundo. Os hablo de Truffaut. A continuación reproduzco algunos fragmentos del artículo "El amor según Truffaut".

"En la filmografía del francés, el amor, las mujeres y las relaciones sentimentales son un tema recurrente. (...) Y es que el creador de Antoine Doinel, ese mítico personaje que Truffaut no supo envejecer, ha representado en el cine todo tipo de amor. Desde el amor fou (amor loco) que experimenta la pareja fugitiva de La Sirena delMississippi (foto) (La sirene du Mississippi, 1969) -ese amor que en palabras de Buñuel “horroriza a la sociedad, la escandaliza profundamente”-, hasta el amor y veneración a los muertos en la adaptación del cuento de Henry James, La habitación verde (La chambre verte,1978). Pero parece que disfrutaba especialmente al narrar triángulos amorosos. Porque casi diez años después de Jules y Jim (Jules et Jim, 1961) -con la que incomodó a más de uno en su día- volvió a Henri Pierre Roché, el autor del libro en que se basó esta película cumbre de la nouvelle vague.



Así, en 1971, Truffaut adaptó la novela “Las dos inglesas y el continente” (“Les deux anglaises et le continent”). En ella se cuenta el triángulo que se establece a lo largo de los años entre dos hermanas inglesas y un joven francés al que ellas apodan “El continente”. Lector voraz como era, Truffaut accedió a las notas manuscritas del autor y alternó escenas más fieles al libro con otras que eran más realistas. Consiguió revestir a su película de un halo literario que está presente en todo el film. Esto se palpa desde el inicio con unos títulos de crédito que rinden homenaje a la novela original. Pero la envoltura literaria va más allá. Porque las dos hermanas protagonistas de la película, las que obsesionan al pobre Jean- Pierre Léaud, se inspiran en dos de las hermanas Brontë. Aquellas escritoras autoras de clásicos como “Cumbres Borrascosas” o “Jane Eyre”. La propia Emily tiene su fiel reflejo en el personaje de Muriel, la puritana apasionada interpretada por Stacey Tendeter, mientras que el personaje de Anne (Kika Markham) se asemejaría a Charlotte Brontë, una mujer más liberal y con ideas más avanzadas para la época.


Anne y Muriel susurrándose secretos
Sin mucho éxito en su día, y con un montaje que afectó a su recepción (en 1984, Truffaut la montó de nuevo), la película se ha revalorizado con el tiempo y hoy está considerado como uno de los trabajos más sensibles y personales del director de "La noche americana". Porque aunque sea una adaptación, sabemos quién se esconde detrás de Claude. Alguien que fue devoto del cine toda su vida, y cuyas películas fueron su vehículo de expresión, su carta de amor al séptimo arte.


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Películas españolas que competirán en la sección oficial del Festival de San Sebastián

July 24, 2013, 5:26 am
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Esta mañana se han dado a conocer en la Academiade las Artes y las Ciencias Cinematográficas las películas españolas que competirán y serán presentadas en la 61ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que este año tendrá lugar del 20 al 28 de septiembre y que premiará con el Donostia a Carmen Maura. 

Como ya sabíamos, lo nuevo de Álex de la Iglesia, Las brujas de Zugarramurdi, de la cual  se ha lanzado un nuevo trailer, se presentará en la sección oficial Zinemaldia pero no entrará a concurso. Sí se disputarán la Concha de Oro a mejor película estas cuatro producciones españolas.

Vivir es fácil, de David Trueba, una historia ambientada en España en los años 60, sobre un profesor (Javier Cámara) que utiliza las canciones de los Beatles para enseñar inglés, y que en un viaje para conocer a John Lennon conocerá a dos jóvenes con los que cultivará una amistad inolvidable. 

Caníbal, de Manuel Martín Cuenca, está protagonizada por el siempre eficaz Antonio de la Torre y narra la historia de Carlos, un sastre con prestigio de Granada que no come verduras precisamente, pero que se dará cuenta de la gravedad de sus actos al enamorarse de Nina.


Enemy, coproducción hispano-canadiense dirigida por Denis Villeneuve, una película que cuenta en su reparto con Jake Gyllenhaal, la francesa Mélanie Laurent, e Isabella Rosellini, y que está basada en la novela de Saramago, "El hombre duplicado".

Y por último, La herida, ópera prima de Fernando Franco, y que tiene como protagonista a Ana (Marián Álvarez), una mujer con dificultades para relacionarse fuera de su ámbito profesional.

Además de las películas de la Sección Oficial, otras producciones españolas se estrenarán en el resto de secciones del festival como Horizontes latinos, Zabaltegi, Nuevos Directores, Perlas o Velódromo. En esta última, más enfocada a un público de menor edad, se proyectará Zipi y Zape y el club de la canica, la adaptación al cine del popular comic de Escobar y que está dirigida por Oskar Santos (El mal ajeno).

*Toda la información del resto de películas españolas seleccionadas en Festival Internacional de Cine de San Sebastián
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Crítica de Lobezno Inmortal: Logan, el último samurai

July 27, 2013, 4:39 pm
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Gracias a los amigos de Sensacine nuestro corresponsal en Madrid, Julio César, pudo disfrutar del fantástico preestreno de Lobezno Inmortal. Ahora nos trae la crítica de la última incursión de Hugh Jackman en el mutante más rentable de toda la Marvel.


LOBEZNO INMORTAL: LOGAN, EL ÚLTIMO SAMURAI 
Por Julio César Agudo 

Si algo me gustó de X-MenOrígenes: Lobezno (Gavin Hood, 2009) fue descubrir (lo siento, soy lego en cómics de superhéroes, más allá del patrio SuperLópez) la inmortalidad de Lobezno y cómo éste participó en algunas de las conflagraciones más cruentas de la Historia(la Guerra CivilEstadounidense, Primera y Segunda Guerras Mundiales y la Guerra de Vietnam). Esa inserción en nuestro mundo real le confería un atractivo al personaje cercano al de los antihéroes de Watchmen (rompedora novela gráfica de Alan Moore e infravalorada película de Zach Snyder).

Lobezno Inmortal (James Mangold, 2013) abre el telón con un prólogo sublime, situado en la Segunda GuerraMundial (no destriparé más); sin embargo, a pesar de que se vuelve al mismo a través de algún que otro flashback, el prometedor inicio solo sirve de pretexto para un argumento descabellado, que pierde interés conforme la trama se olvida del quién para centrarse en el dónde.

Sí, señores, Japón es el auténtico protagonista de la película, y asistimos a refritos de “esto ya lo he visto yo”, del calibre de thriller oscuro con los Yakuza de por medio (Black Rain), relación sentimental occidental-japonesita tradicional (El Último Samurái) y, cómo no, coreografías llenas de ninjas encapuchados tratando de derribar a Lobezno a base de volteretas. Todos los clichés del país nipón están presentes en el film, si bien algunos rezuman originalidady consiguen sacarnos una sonrisa (pista: poned en google rabu hoteru y sabréis a qué me refiero).

Así las cosas, y habida cuenta de que no parecía muy ocupado en su Canadá natal, nuestro mutante se deja llevar por las intrigas del conglomerado Yashida en el País del Sol Naciente, mientras cada noche combate su pasado y su desdichada condición inmortal. Así llegamos al clímax de la película, el cual recupera el habitual comportamiento errático y megalómano de los villanos de cómic de una forma tan histriónica y chillona que nos recuerda a los enemigos que había de enfrentar Batman en los esperpentos perpetrados por Joel Schumacher. La última modelo rusa metida a actriz, Svetlana Khodchenkova, recrea un personaje (Vyper, Madame Hydra) que me resulta un cruce entre una concursante de Gandía Shore y Poison Ivy, la enemiga del Hombre Murciélago protagonizada por Uma Thurman. De hecho, sus “nombres de guerra”, apariencias y poderes son bastante similares.
Di mi nombre bien o si no te depilo con pinzas el pecho 


En definitiva, una oportunidad perdida de la Marvelde relanzar sus spin offs de mutantes y eso que se trata del más carismático e individualista de todos. Debe ser que la fórmula funciona mejor en la dirección contraria (las series individuales de Los Vengadores prepararon el terreno para el espectáculo coral de la película estrenada el pasado año).

Lo mejor: el prólogo, una auténtica maravilla, la escena de acción que se desarrolla en lo alto de un tren, intensa y espectacular. Es una película de la Marvel, lo que significa que no has de tener prisa por abandonar la sala a pesar del flojo final de la cinta. Tras los títulos de crédito nos espera una escena que nos devuelve la magia y grandilocuencia del Universo Marvel que parecen perdidas en este sub-producto.

Lo peor: Japón termina por devorar a Hugh Jackman. Los vaivenes del argumento alejan al personaje de su universo mutante y para cuando intentan cerrar la historia y volver a sus orígenes, resulta tarde. Cada aparición de Famke Janssen es un bajón, y no será porque le quedan mal los camisones…



Lobezno inmortal

¿Y a vosotros qué os pareció?
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Refréscate jugando al Trivial veraniego sobre cine

July 31, 2013, 3:00 am
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¿Te aburres en la piscina, en la playa, o en la oficina? ¿Quieres estrujarte el cerebro jugando a un trivial de cine de los más refrescante?. Pues no te pierdas las diez preguntas que nuestro insigne y ocioso colaborador Milton River nos ha preparado. Nos gustaría decir que el primero en acertar este quiz se llevará un juego de palas impermeable o el bikini de Rita Hayworth, pero por desgracia, tendréis que conformaros con que os consideremos unos sapientines cinéfilos, ¡que no es poco!. 

1. ¿Qué película clave del terror, subgénero psychokillers, transcurre en un mes de agosto de 1973? 

2. En 1958 Paul Newman ganó el premio de interpretación de Cannes por un drama sureño de lo más cálido y sudoroso. ¿De qué film estamos hablando? 

3. Un verano con Mónica es una película esencial en la filmografía de Bergman,  ¿sabrías decir el nombre de la actriz sueca protagonista?

4. De amores de verano va ahora la cosa, ¿en qué película unos jovencitos Macaulay Culkin y Ana Chlumsky se daban un inolvidable primer beso?

5. ¿En qué película de Almodóvar, Carmen Maura, muy sofocada, pedía que la regasen? 

6. ¿En qué clásico se dice esta mítica frase?  "Yo era guionista. Mi mayor deseo siempre fue tener una piscina. Conseguí la piscina, y morí en la piscina"? 

7. Nombre de un director francés aficionado a contar historias que transcurran en verano? Pista: Dirigió Pauline en la playa (1982) y Cuento de verano (1995)

8. ¿Cual ha sido la única película en donde han coincidido Liz Taylor, Montgomery Clift y Katharine Hepburn?

9. A algunos les toca trabajar en verano en parques de atracciones como a Jesse Eisenberg y Kristen Stewart en la película ¿...?

10. Película en donde Jacques Tati hace de las suyas en complejo termal.



Puedes dejarnos tus respuestas en los comentarios del blog.

*Os recuerdo que si no queréis perderos los enigmas de Milton podéis suscribiros a este blog, en la pestaña submit. Tan solo deja tu email y recibirás en tu correo todos nuestros posts :D
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51 años sin Marilyn Monroe: Siete interpretaciones inolvidables

August 5, 2013, 1:26 am
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Diseño de Mónica Agudo

Llamándose este blog Cine en conserva, teniendo como avatar a Marilyn en nuestros perfiles de redes sociales, ¿cómo no íbamos a homenajear a Norma Jean en el 51 aniversario de su muerte?. Vale, quizás no sea un número redondo el 51, pero siempre es buen momento para echar un vistazo a la filmografía de este iconoy maravillarse con algunas de sus actuaciones más desconocidas o inmortales. 

En esta ocasión, se han unido a este especial seis cinéfilos a quienes agradezco muchísimo su colaboración. A todos ellos, salvo a mi amigo Jose, los he conocido gracias a Twitter y desde entonces, no puedo despegarme de sus conversaciones en la red social del pajarito azul. Entre todos, más la que os escribe, cada uno ha escogido una película de la rubia más famosa del siglo XX, esa que se inventó a sí misma y que Groucho Marx definió como "Mae West, Theda Bara y Bo Peep todas en una". ¿Quieres saber qué películas son?

Las chicas del coro (Phil Karlson,1948)
Por JaviL32
Ladies of the chorus fue una película que jamás se estrenó en España. Posiblemente hubiera caído en el olvido si no hubiese sido el primer papel con cierto protagonismo en la carrera de Marilyn Monroe. Marilyn resulta encantadora pero aún algo patosa en su actuación aunque baila y canta un par de números musicales. Marilyn, después de salir de Fox, firmó un contrato de 6 meses con Columbia Pictures y debutó en este film. Recibió clases de interpretación y estuvo saliendo con Fred Karger, director musical de la película, quien le sugirió que arreglase sus dientes delanteros. Monroe y Adele Jergens se hicieron amigas. Jergens hacía de su madre en la película y eso que le sacaba solo 9 años. Cuando se estrenó la película, esta fue un fracaso pero los atributos físicos y las cualidades como actriz y cantante de Marilyn llamaron la atención. Había dejado huella.


Encuentro en la noche (Fritz Lang,1952)
Colaboradora de Cinema Ad Hoc y otras publicaciones

El papel de rubia tonta en comedias o musicales que bordaba, hizo olvidar otras actuaciones de Marilyn Monroe en papeles más pequeños pero igualmente importantes  en su carrera. Uno de ellos fue el de la optimista trabajadora de una conservera Peggy en la película de Fritz Lang Encuentro en la noche (Clash by night). Protagonizada por Barbara Stanwyck, Encuentro en la noche es un drama en el que esta última se debate entre el amor de dos hombres, siendo su cuñada Peggy la única amiga que tiene en el pueblo pesquero en el que vive, una mujer vitalista a pesar de ser maltratada por su marido. La deliciosa presencia de Marilyn llena de luz la pantalla en una película con tintes de cine negro, dejando intuir la estrella emergente que había dentro de ella y que poco después la convertiría en el mito que sigue perdurando hoy en día.


Cómo casarse con un millonario (Jean Negulesco, 1953)
Del blog Clasicosis

1953 fue el año del despegue de Marilyn Monroe. Tras papeles pequeños en films de Mankiewicz, Fritz Lang o John Huston dio el salto a papeles más protagonistas. En Cómo casarse con un millonario (How to marry a millionaire) comparte escena con dos actrices ya consagradas: Lauren Bacall y Betty Grable. En esta comedia, tres modelos sin blanca aunarán esfuerzos para cazar a un marido con una buena cuenta corriente, el título ya lo dice todo. Fue el primer film rodado con Cinemascope lo que le da un aire muy teatral y donde ellas y su vestuario destacarán especialmente.

El paso del tiempo ha descafeinado esta película. A pesar de ello, el personaje de Marilyn es quien más ameniza al espectador. Pola Debevoise es una mujer enamoradiza e ingenua cuya miopía traerá los mejores gags del film y sacará su vis más cómica.

La tentación vive arriba (Billy Wilder,1955)
Marilyn, el icono. En La tentación vive arriba (The seven year itch) se encuentra una de las escenas más recordadas de la historia del cine: un vestido blanco, una boca de ventilación del metro de Nueva York y Marilyn Monroe. Con tres sencillos elementos rodaron una escena que rebosa sensualidad y picardia, y que convirtió a Marilyn Monroe en todo un icono del séptimo arte. Lo curioso de la escena, de la famosa imagen, es que en la película no aparece la imagen del cuerpo completo, es decir, aparece cortada en varios planos. Muchos seguidores de la actriz se acercaron al rodaje para ver "in situ" la grabación de la famosa escena.

En La tentación vive arriba Marilyn interpreta a "la chica" (ya que su personaje no tiene nombre), una irresistible "Eva" para el personaje interpretado por Tom Ewell. La relación entre Wilder y Monroe se puede decir que fue de amor-odio. Pero aunque su relación no fuese la más idílica (la impuntualidad de Marilyn sacaba de quicio al director), Wilder no podía evitar rendirse ante el carisma de la actriz y su facilidad para la comedia: "Marilyn es un absoluto genio como actriz cómica, con un sentido extraordinario para los diálogos cómicos. Tenía ese don. Nunca después he vuelto a encontrar una actriz así". Sin duda, Marilyn era única.




Bus Stop (Joshua Logan,1956)
Por María José Agudo
Yo, yo misma y Cine en conserva

El papel de Cherie, la cantante de saloon que va dando tumbos por la vida pero que aspira a ser una gran estrella (una vez más el guion tenía ecos a su pasado), fue la primera oportunidad de Marilyn para demostrar que se trataba de una actriz a tener en cuenta. Había logrado mejorar su contrato con la Fox después de su marcha a Nueva York para estudiar interpretación, y ahora podía escoger sus propios papeles. Había nacido una nueva Marilyn, y en esta comedia de Joshua Logan, quien luego se convirtió en su admirador, lo demuestra. Suya fue la idea de que su vestido de corista tuviera un toque andrajoso pero sexy al mismo tiempo. 

Sin ser un peliculón, en Bus Stop, la actriz tiene grandes momentos como cuando canta "That old back magic" o pronuncia el monólogo del autobús. Se dice que Marilyn pensaba que podía aspirar al Oscar con esta interpretación. El que sí se llevó la estatuilla dorada como mejor actor de reparto fue su compañero en pantalla Don Murray. De nuevo, la Monroe se iba de vacío, y se quedaba esperando su premio en la parada de autobús.
Con faldas y a lo loco (Some like it hot, Billy Wilder,1959)
Por Jose María López Revuelta
Comunicador Audiovisual e Historiador de Arte

Chicago 1929 (Gran Depresión), un par de músicos (Tony Curtis y Jack Lemmon) sin mucha fortuna son testigos accidentales de un asesinato entre gangsters. Para huir se disfrazan de miembros de una orquesta femenina y ponen rumbo a Florida. A grandes rasgos este es el argumento de una película que para mí significó mucho al verla por primera vez y ahora, una vez revisada y con nuevos ojos, me vuelve a sorprender. 


Nos encontramos ante un filme que es algo más que una comedia de travestidos. Es en sí un homenaje, un homenaje a la libertad sexual con referencias a la homosexualidad y a la impotencia (recuérdese la divertida escena del magnate del petróleo cuya treta hace que sea él el seducido), a las comedias locas de los años 40 y a las inolvidables situaciones de absurdo de los hermanos Marx. Hay momentos memorables que quedan en la retina de los espectadores y ya han pasado al imaginario colectivo. Como olvidar el casi transparente y maravilloso traje de Marilyn mientras canta “I Wanna Be Loved You”y por supuesto la lapidaria y mítica frase final: “Nadie es perfecto”. Sin olvidar el papel de Marilyn, Sugar Kane, con cierta similitud con su vida privada. De forma cómica interpreta a una chica desesperada por encontrar el amor y que es empujada a la bebida por su visión quizás demasiado romántica de la vida. Sugar recibirá un redentor beso de una mujer (para mí una de las mejores escenas del filme), una mujer-hombre (Tony Curtis) que ha experimentado los sentimientos de la persona que tiene en frente gracias a unos tacones, una peluca y unos cuantos kilos de maquillaje. 



Vidas rebeldes (John Huston; 1961)

Vidas rebeldes: El mejor papel dramático de Marilyn

Vidas rebeldes (The Misfits) es considerada una película ''maldita'', porque sus tres protagonistas tuvieron un final trágico, al morir, poco después de rodarla. Marilyn fue infravalorada como intérprete durante toda su carrera, se la consideraba solamente una rubia sexy más y no la valoraban lo suficiente (personalmente me parece una actriz que se desenvolvía de manera solvente tanto en drama como en comedia), pero en Vidas rebeldes (que fue la última película que terminó de rodar, antes de fallecer), demostró que podía brillar en un registro más serio (aunque ya había dado atisbos de que tenía un gran potencial para registros dramáticos, en Niebla en el alma y Bus Stop, en las cuales está muy bien). En Vidas Rebeldes, Marilyn está estupenda, en un papel que en teoría, se asemeja a su frágil y depresiva personalidad real, ya que su último marido Arthur Miller colaboró en el guión. Todo el reparto está bien, pero la Monroe sobresale. 

Recomiendo esta magnífica cinta de John Huston, a todos aquellos que crean que Marilyn no puede abordar con credibilidad un papel que se aleje del estereotipo al que se vio sometida injustamente en muchas de sus películas. Y además, Marilyn tuvo la oportunidad de trabajar en esta película, con su actor favorito de la infancia, Clark Gable, que murió de un ataque al corazón pocos días después de terminar el rodaje, provocado en buena medida por los esfuerzos que tuvo que hacer para poder interpretar este personaje. Montgomery Clift se hizo amigo íntimo de la Monroe, conectaron de manera especial y él se convirtió en un gran defensor de su talento. Marilyn, esa presencia adorable en la gran pantalla.



Y este ha sido nuestro pequeño homenaje a Marilyn, sabemos que nos hemos quedado otros papeles suyos en el tintero, ¿cual destacarías tú?

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Razones para estar a favor o en contra de Guerra Mundial Z

August 7, 2013, 7:20 am
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Guerra Mundial Z se ha convertido en uno de los taquillazos de este verano, y en la película más rentable en la carrera de Brad Pitt. Lejos han quedado aquellos no muertos de George Romero, el inventor de este subgénero del terror. Ahora la zombiemanía aterriza en películas para todas las edades. En este post te ofrecemos dos visiones enfrentadas (una a favor y otra en contra) sobre la adaptación de la novela de Max Brooks.


A favor 

Queridos lectores de la novela de Max Brooks, 

Si pensabais que en detrimento de hacer una gran taquilla, los productores de Guerra Mundial Z iban a respetar la fidelidad de la obra vais listos. Hay que entender esta película como un blockbuster veraniego y huir de comparaciones entre novela y película (aunque soy consciente de que es difícil). Esta película es una de zombies para toda la familia, un espectáculo palomitero que para llegar al gran público no puede permitirse ni la estructura del libro original (testimonios de supervivientes de la infección zombie) ni escenas sanguinolentas, o demasiado violentas. 

Por lo tanto, aquí va mi primera razón para defenderla 

1. La película cumple con lo que promete, ofrece entretenimiento y espectacularidad en las escenas de acción y catástrofes (avión). Otra cosa es que la olvidemos al día siguiente de verla.


2. Es cierto que se podría haber trabajado un poco más ciertos aspectos del guion, un tanto convencional y poco hilvanado, así como los personajes (ya que en la película solo hay un protagonista exclusivo; el héroe y salvador en cuestión, interpretado por un Brad Pitt que no se despeina en todo el metraje, y que se convierte por exigencias del libreto en ejemplar padre de familia, piloto de aviones, médico...) pero su director Marc Foster (sí el de Monster's Ball) consigue dotar a todo el conjunto de una tensión y un ritmo contagioso, provocado en buena medida por una trama que traslada al espectador de un escenario a otro como si de un videojuego se tratara. Aunque suena a tópico, la película te deja en muchos momentos (como en la parte que transcurre en el centro médico de Cardiff) mordiéndote las uñas, y las dos horas transcurren muy rápidas.

3. Ofrece una nueva visión de los zombies o infectados a la que no estamos acostumbrados,. ¿Y qué pasa si ahora saltan y son rápidos como atletas jamaicanos? Lo único original que veo de la propuesta es que ahora los infectados se desplazan en masa, como una plaga que lo devora todo a su paso, como demuestra la impresionante escena que transcurre en Israel.


En contra  

APOCALIPSIS ZOMBIE PARA TODOS LOS PÚBLICOS AL RITMO DE MUSE

1. No se puede hacer una película con esta temática, y menos si se “basa” en una obra de un realismo sobrecogedor, y enfocarla hacia un blockbuster para toda la familia. No pido gore (aunque un poco de sangre quizás no desentonase), pero no se puede convertir a los zombis en los rápidos, limpios y sagaces velociraptores de Jurassic Park.

2. Si algo nos ha enseñadoThe Walking Dead (y también está presente en el ensayo/novela de Max Brooks), es que hay que temer más a los humanos que a los zombis y que un mundo como ese está lleno de decisiones complejas, donde no vale lo políticamente correcto ni razonamientos morales pre-apocalípticos. Ni un ápice de este factor se encuentra en la película.

3. He leído mucho acerca del problemático rodaje de la película, de sus cambios de guión, su recorte de metraje, personajes secundarios que se quedan en nada (¿qué sucede con el personaje, visto y no visto, de Matthew Fox?) y su final alternativo (contiene spoilers). Estas circunstancias hacen mella en el montaje que se puede ver en las salas. La solución final, aunque ingeniosa, rompe completamente con lo establecido en la novela. Además, si es cierto que hay planes de trilogía, en mi opinión se han pegado un tiro en el pie. 

4.No soy especialista en derechos de autor, ni conozco el desembolso que los productores (Brad Pitt entre ellos) han tenido que llevar a cabo para comprar los derechos a la editorial y/o Max Brooks, pero el parecido de la película (al menos en su versión final) con el ensayo es nimio. Vamos, que comparten el nombre y poco más, como demuestra este gráfico que circula por Internet.


LO MEJOR
Demonios, una banda sonora atronadora, oscura y esquizofrénica le hubiese venido al pelo a la película, pero cómo aguantarse a Muse!! Otro signo más de que estamos ante un producto pensado única y exclusivamente para reventar taquillas, blu rays y hasta cd´s de la BSO, y, sin embargo, ésta funciona.



¿Con qué hermano estás de acuerdo? :D

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Trailer de "Her" de Spike Jonze; Amor informático

August 9, 2013, 4:10 am
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En los últimos días se suceden los trailers de nuevas películas que llegarán a nuestras pantallas pasados unos meses. De entre la oferta venidera, hay uno que me ha llamado mucho la atención. Se trata de Her. Es posible que sea porque está protagonizada por Joaquin Phoenix, que como ya contamos en este post nos parece uno de los mejores actores de su generación, pero también es porque la dirige Spike Jonze (creador de las nada convencionales Cómo ser John Malkovich, Adaptation o Dónde viven los monstruos) y porque tiene un planteamiento de los más "friky". 

En Her, Phoenix interpreta a Theodore, un escritor solitario cuya vida cambia al enamorarse de un nuevo sistema operativo de inteligencia artificial. Y es que si Ryan Gosling se enamoró en Lars, una chica de verdad de una muñeca hinchable, ¿cómo va a resistirse Phoenix a un aparato del futuro con la voz sugerente de Scarlett Johanson?

La película, que se estrenará a finales de noviembre en Estados Unidos  cuenta también en el reparto con Amy Adams, Rooney Mara u Olivia Wilde, y tendrá banda sonora del grupo Arcade Fire, otro motivo más para no perderle la pista. 



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